各位朋友好，「超易懂！動畫人的工作」系列文章旨在增進每一位朋友對動畫基本常識的了解，並針對富野由悠季導演《影像的原則：台灣版》進行補充說明。全部預計11回，請大家多多指教。
繼上回「超易懂！動畫人的工作 第６回 美術」，本次的第７回將從攝影方面來談日本動畫。
超易懂！動畫人的工作 第７回 攝影
提到「攝影」，大家一般都會想像拿著攝影機拍東西的模樣。不過，動畫的每個鏡頭（cut）不是實際拍攝而是畫出來的，所以動畫的攝影，指的便是依照「一秒24影格」的電影原則※1去拍攝一張張靜止的動畫圖，便可以使得靜止畫面看來像是在動。
話說回來，過去是將實際的賽璐璐畫板放在攝影台上作業的攝影工程，現在已經幾乎全數轉移成為數位作業，所以現在提到的「攝影」已經不具有機器設備上的意義，而單純指稱此合成的作業流程。
換句話說，我們將攝影理解為「將各種動畫素材集合在一起，並依時間表與指示合成為單一畫面之作業」就行了。
攝影的重要性
攝影本身由於不牽涉劇情結構，也沒有參與繪畫，因此乍看之下似乎是個必要但不重要的作業，然而事實並非如此。
如果只是將動畫圖一格格放出來，那麼充其量只是「會動的圖畫」，與畫在課本一角的連環圖畫沒有兩樣；必須加入各種有如電影般的運鏡──也就是影像的技術，才會使其真正成為「動畫」。
最重要的一點在於，動畫製作是一個龐大的工程，每個部分都是經由眾多人手才能完成，而所有的內容必須在攝影後才能進行第一次的通盤檢視。經過攝影得到的動畫，就已經接近毛片狀態，可說完成將近7～8成；之後所發出來的重做指令，都會是基於整部影片的考量所存在，由此可見攝影的重要地位。
攝影無所不能？點綴畫面的魔術師
除了「拍攝各種素材」和「加入運鏡」以外，攝影階段還有一個重要的要素，那就是加入光影、霧化等各種「畫面效果」。特別是在進入數位化以後，畫面的說服力已經不單純再靠手繪的力量，而也必須借重攝影的特殊效果。
以下借用富野由悠季《GUNDAM...